Des articles dans l'air du temps

 Si la recette de la porcelaine dure n’est plus un secret pour le monde occidental aujourd’hui (et ce depuis le 18^ème siècle seulement), la céramique est un objet d’art ancestral qui fascine toujours et qui est bien plus innovant et moderne que l’on ne le pense.

Nous savons que la céramique ne se résume pas à la porcelaine mais il faut aussi savoir que la terre, s’il est un élément premier de la céramique (les première céramique de l’humanité étaient de la terre cuite à base d’argiles naturelles)  n’est pas un élément essentiel car il existe  de la céramique sans terre…

La « recette » de fabrication de la porcelaine fut longtemps gardée jalousement par la Chine. En effet, les asiatiques ont été les premiers à fabriquer de la porcelaine car il existe dans ces régions des kaolins (mot d’origine chinoise)  donnant une pâte plastique, tournable et une matière translucide par cuisson aux alentours de  1300 degrés Celsius. Les toutes premières porcelaines véritables ont été fabriquées en Chine entre 25 et 220 après JC !

 Les premières porcelaines furent rapportées en occident au XVème siècle (découverte de la porcelaine chinoise par les Italiens) et les européens n’eurent de cesse d’essayer de reproduire cette céramique translucide et d’une extrême blancheur.

L’étude que fit au XVII^e siècle le Père jésuite François Xavier d'Entrecolles (père jésuite né à Limoges le 25 février 1664 et mort à Pékin le 2 juillet 1741) de la technique mise au point à Jingdezhen, fut à l'origine des productions de porcelaine en Europe. En effet, dès 1712, le Père d'Entrecolles avait ramené les premiers échantillons de kaolin et révéla la composition et les secrets de fabrication de la porcelaine chinoise. Mais ce ne fut que vers 1765 qu'on découvrit en France un gisement de kaolin à Saint-Yrieix-la-Perche, au sud de Limoges, et qu'on put dès lors produire de la porcelaine en France, sans doute aux environs de 1769

À la différence de ce que l'on connaît en Europe, où existe une différence tranchée entre la faïence d'une part, et la porcelaine — d'origine chinoise — de l'autre, la distinction est beaucoup moins nette en Chine, car la céramique chinoise n'a cessé d'évoluer depuis ses débuts, des premières terres cuites jusqu'aux porcelaines les plus fines. En Chine, le terme 瓷, cí (porcelaine) désigne traditionnellement les céramiques cuites à haute température, ce qui inclut ce qui en Europe pourrait être considéré comme un grès, car non translucide.

Traditionnellement es céramiques contiennent plusieurs éléments dont du silice (sable, quartz etc), des alumines (kaolin, argile), de l’oxyde de fer, de la potasse et divers autres éléments (par exemple dans la porcelaine ming il y a 73,6% de silice, 20,1% d’alumines ce qui montre que la terre n’est pas l’élément premier au niveau de la quantité, 0.9% d’oxyde de fer,2.9% de potasse et 2.5% d’autres éléments ; la porterie shang elle contient 59.3% de silice, 16.2 d’alumines, 6.3 d’oxyde de fer donnant la coloration rouge,2.7 de potasse et jusqu’à 15.5% d’autres éléments !

La composition de la céramique traditionnelle est donc complexe, et ce depuis l’époque de la poterie rouge Shang q ui est la deuxième dynastie royale à avoir dominé la Chine, des environs de 1570 à 1045 av. J.-C !

Une céramique peut être cuite de deux manières différentes:

• en oxydation : dans ce cas, le feu est clair, car l'oxygène alimente le four en abondance ;
• en réduction : dans ce cas, le four est très peu alimenté en oxygène; le four s'emplit alors d'oxyde de carbone, qui cherche à se transformer en gaz carbonique en prenant l'oxygène de l'oxyde de fer éventuellement contenu dans la pâte.

La terre cuite est cuite à basse température, aux alentours de 600° à 800 °C. L'oxyde de fer qu'elle peut contenir donnera à la terre cuite une coloration rouge si elle est cuite en oxydation, et grise si elle est cuite en réduction.

Le grès (ou la porcelaine) tire sa dureté et sa faible porosité de la fusion de la silice contenue dans la pâte. Mais cette fusion ne se produit qu'au-delà de 1 000°C. Des grès ont ainsi été obtenus en Chine dès la dynastie des Shang ; les Chinois considèrent ainsi que les Shang ont découvert le secret de la porcelaine. Il s'agit en fait d'un grès imparfait, d'une texture relativement grossière, encore assez éloignée de ce celle d'une porcelaine, même si elle en est chimiquement assez proche.

La porcelaine à la cendre d’os est un type de porcelaine phosphatique composé, en plus du kaolin (argile blanche léménet longtemps resté un mystère pour les européen et découvert tardivement en Europe comme nous l’avons vu), du feldspath et du quartz, d'un minimum de 30 % de cendre d’os désagrégée (Phosphate de Chaux).

La porcelaine à la cendre d’os est une porcelaine tendre mise au point par le céramiste anglais Josiah Spode, entre 1789 et 1793, pour améliorer la résistance des porcelaines tendres inspirées des productions du continent Caractérisée par son très haut degré de blancheur et de transparence, sa dureté et sa forte résistance aux chocs, elle passe pour une des porcelaines les plus raffinées et les plus nobles.

La production de la porcelaine à la cendre d'os est semblable à celle de la porcelaine dure. Elle demande cependant un plus grand soin en raison de sa faible plasticité et de sa plage de vitrification plus étroite. La formulation traditionnelle de la porcelaine à la cendre d'os est d'environ 25 % de kaolin, 25 % de pierre de Cornouailles et 50 % de cendres d'os. Les cendres d'os utilisées proviennent d'os de bovins qui ont une faible teneur en fer. Ces os sont broyés avant d'être dégélatinés puis calcinés à 1 250 °C pour produire les cendres d'os. La cendre est ensuite broyée finement. Le kaolin est nécessaire pour donner la plasticité à la pâte permettant de mettre en forme les objets. Ce mélange est ensuite cuit à environ 1 200 °C

Les matières premières de la porcelaine à la cendre d'os sont relativement onéreuses, et la production est exigeante en main-d'œuvre, ce qui explique que cette porcelaine conserve un statut de produit de luxe aux prix élevés. Ainsi, c’est en fait la porcelaine à la cendre d’os qui a donné la réputation de produit onéreux à la porcelaine dans son ensemble mais en réalité la porcelaine « normale » (sans cendre d’os) n’est pas d’une grande valeur (sans parler des anciennes pièces asiatiques).

Enfin, il existe la néo-céramique qui est une céramique sans éléments argileux ! Ce sont des produits synthétiques issus de l’industrie moderne qui entre dans sa composition dont les poudres d’oxydes, de carbures, de nitrures, de carbones. Les poudres sont mélangées et mis en forme essentiellement par pressage puis cuites, frittées, à des températures pouvant aller jusqu’à 2600 degrés Celsius ! On obtient des pièces de haute technologie utilisées dans les domaines aéronautique, spatial, nucléaire, électronique et biomédical !

Mon grand-père me répète assez souvent cette phrase, qui prend ici tout son sens : « tu ne connaitras plus ce que j'ai connu. Aujourd'hui, c'est toi qui m'apprend des choses, et demain, … je ne serais plus là pour le voir ! ».

Chaque matin, je croque dans une pomme sans trop savoir réellement sa variété, son origine, ou encore ce qu'elle peut m'apporter de bénéfique pour la santé. Pourtant, il y a bien une pomme que j'affectionne particulièrement. Que me dirais-t-elle alors ?

Hier, j'étais une pomme oubliée.

Réintroduite par des pépiniéristes et cultivateurs soucieux de nous remémorer les richesses de ces variétés dont on ignore tout mais dont on souhaite tout connaitre, j'existais déjà avant.

Je descends d'une longue lignée de fruits qui, tous, ont grandi dans les vergers. Ces vergers-là, je ne les ai jamais connu; je ne les connaitrait plus.

• « Plus? »

• « Plus du tout ».

Ma famille m'a raconté qu'avant, les fruits poussaient sur un sol nourri et ensoleillé jusqu'à murir à souhait. La qualité du fruit faisait leur rareté, leur richesse. Une fois croqué, il laissait échapper un goût exquis, sucré, une pointe d'acidité, juste ce qu'il faut pour s'en souvenir encore aujourd'hui.

Et ses formes, ô ses formes, une esthétique de pomme?

Non.

Une rondeur généreuse, une peau aux teintes touchées par le soleil, une chair rouge.

• « Une chair rouge? »

• « Oui, ma chair est rouge ».

Et aujourd'hui, qu'en est-il?

Aujourd'hui, je suis une pomme.

Rare pour l'instant, mes consoeurs et moi avons compris une chose : pour plaire, il faut avoir une particularité, être unique.

Comment être unique lorsqu'il existe 6000 variétés? C'est la question. Concurrence acharnée? Non, pas vraiment … Pourquoi?

En y réfléchissant bien, 6000 variétés de pommes, c'est 6000 manières de nous regarder, autant de nous désirer, de nous choisir, de nous acheter, de nous laver, pour finir pelée à vif par l'économe, décapitée par un doigt qui me donne le tournis et meurtrie par la lame d'un couteau. Ah le couteau, je le redoute un peu, et en même temps, c'est l'excitation de savoir comment je vais être dégustée … Crue? Cuite? Pressée? Entière, en quartier, en lamelles? … au four, compotée, poêlée, frite, …? Quel dilemme !

Mais demain, que se passera-t-il?

Demain, je serais une pomme de supermarché.

Pas moi directement, moi mes entrailles finiront déjà en compost pour nos plantes, mais mes enfants, sûrement.

D'ici là, manger exclusivement des pommes sera peut-être une alimentation. Après tout, il existe déjà des pommes avec un parfum évoquant d'autres saveurs … La Winter banana, par exemple, a des notes de banane; ou encore la Court Pendu Gris, révélant ses arômes de cannelle à la cuisson.

Et puis, on l'oublie mais la pomme, c'est un fruit bénéfique pour la santé. " Une pomme chaque matin éloigne le médecin " comme disaient nos grands-mères. Le sorbitol contenu dans la pomme prévient l'apparition des caries. Elle contient de la pectine (parfait pour vos confitures), et permet aussi d’équilibrer le taux de glycémie, en particulier après les repas, elle participe à réduire les risques de diabète (de type 2), et enfin, agit sur le cholestérol.

Donc avis à ceux et celles qui se sentent concerné(e)s, mangez-moi !

   Redécouvert en 1842, par  le critique et historien d'art Joseph Thoré, Vermeer est aujourd'hui l'un des peintres les plus justement célébrés. Artiste exceptionnel, il est d'autant plus admiré pour son travail de représentation de la lumière hollandaise, occupant une large place au sein de son œuvre. Seulement comment cette lumière a-t-elle servi le travail de l'artiste et comment a-t-il pu la représenter?


   Premièrement étudions son travail préparatoire, première étape indispensable à Vermeer comme tout autre peintre pour la réalisation de sa peinture.
Nous savons aujourd'hui que pendant ses longues heures de travail,  l'artiste utilisait probablement une chambre noire, aussi appelée camera obscura afin de capter une première image photographique du sujet. Ce dispositif optique découvert au 10e siècle par le scientifique arabe, Ibn al-Haytham (965-1039) permettait de projeter sur une surface plane, la lumière réfléchie par les objets environnants. Permettant d'avoir une image de la scène réelle.
   Donc d'après cette hypothèse, l'artiste aurait grâce à cette technique pu obtenir des effets photographiques de lumière, de flou et de profondeur de champs projetés sur sa toile.  Ce sont les prémices de la photographie, qui apparaitra au 19e siècle, et qui au contraire cette fois fixera l’image obtenue sur un support par procédé chimique.  Par ailleurs parmi les 42 œuvres réalisées  par Vermeer durant sa courte vie, nombreuses sont celles qui reprennent une certaine «esthétique photographique», peut-être due à cette même technique. Cependant cet avis est partagé, et une partie des chercheurs préfèrent penser que les  chambres noires étant peu répandues à cette époque, il aurait été plus evident pour lui d'utiliser un miroir. Dans les deux cas, cela ne contredis pas ce développement car le tableau est réalisé à partir du reflet de la lumière. On comprend ainsi que l’enjeu de la peinture de Vermeer était de créer une image de façon neutre directement sur un support, comme un miroir «qui peint les choses et qui peint tout seul», explique Jean Blanc professeur et spécialiste de l’art flamand et hollandais du XVIIe siècle. Souhaitant représenter la nature telle qu'elle est , et non pas telle qu'elle devrait être. La  lumière dite "Nordique" qui fait la spécialité de l'artiste a d'abord servi comme outil de préparation, avant d'être elle-même retransmise sur la toile.

   Ce qui nous amène à nous demander comment arrivait-il à la représenter?
Commençons d'abord par étudier sa maitrise de la technique du claire-obscur dont il est incontestablement l'un des maitres. Cette pratique, mise au point dés la Renaissance par Polidoro da Caravaggio, consiste à distribuer dans un tableau des nuances de la lumière qui côtoient immédiatement et sans dégradations de couleurs des parties sombres de la représentation picturale, créant parfois de forts contrastes entre les deux.
   Pour obtenir ce résultat, l'artiste utilisait une multitude de pigments extrêmement chers et rares à cette époque, et donc dépensait sans compter pour la beauté de ses oeuvres. On trouve premièrement l'utilisation de pigments couleur de terre comme l'ocre ou l'ambre pour les zones sombres. Puis un "jaune indien" permettant l'application d'un jaune vif, voire fluorescent à la peinture et donc d'affirmer la lumière.  Mais il aimait particulièrement déposer dans ses tableaux des pigments colorés, comme  par exemple: des bleus profonds tirés de la poudre de minéral bleu tel "Lapis lazuli" ou "Azurine".  En associant l'ensemble de ces coloris  souvent très éloignés, c'est-à-dire passant du mineur le plus tendre à la puissance la plus importante, Vermeer entretenait un éclat, une finesse, une énergie créant cet effet de lumière si particulier à son oeuvre.


   Cependant, la représentation de la lumière ne dépend pas uniquement de la couleur des pigments et des innovations technologiques de l'époque; sa "touche" de pinceau et la répartition de la lumière rentrent elles aussi en compte. Johannes Vermeer, utilisait la technique du pointillé, consistant à appliquer des couleurs dites transparentes, c'est-à-dire  à épaisseurs très fines. Cela permettait de réduire au minimum le dépôt granuleux de la peinture.
   La particularité du peintre est d'effacer sa touche pour une meilleure netteté et méticulosité, renforçant le caractère réel de la représentation. Pour de nouveau citer Jean Blanc: "il y a une valorisation du savoir-faire en l'effaçant" c’est-à-dire "en étant capable de représenter les objets comme s'ils étaient vu par le spectateur et que le peintre s'effaçait de sa présence". Un tableau devient une fenêtre sur la vie.
   Mise à part deux des œuvres de l'artiste, l'intégralité de sa production  connait une répartition de la lumière spécifique. En intérieur, dans des endroits confinés de sa maison de Delft, avec pour seule réelle source de lumière, une fenêtre sur le mur gauche. Le chef-d'œuvre "La laitière", illustre parfaitement ces propos. Le fait est que la lumière est partout, mais que chaque objet représenté semble ajusté sa pénombre en fonction de sa condition physique dans l'espace peint. Il applique partout, au revers d'un fauteuil, d'une table ou d'une chaise des points lumineux plus ou moins importants qui permettent de focaliser l'attention du spectateur à un point précis du tableau. La lumière de l'artiste est d'un tel naturel quelle créée une harmonie entre les objets de la composition picturale, qui ne fait que renforcer l'effet lumineux.

• De nombreuses personnes affirment qu’ils ressentent de fortes impressions en leur for

  intérieur lorsqu’ils contemplent une œuvre de Mark Rothko. Que peut-on observer devant ce

  gigantesque brouillard coloré qui s’étend devant nous, dans son œuvre ? On ressent cette

  solitude indéfinissable dégagée par son œuvre. Puis, on se sent guéri. Ainsi, en contemplant la

  série des Nymphéas de Monet, exposée au Musée de l’Orangerie, ou en observant simplement

  un dessin réalisé par un enfant, on peut ressentir un réconfort ou un effet de guérison.

  Par ailleurs, l’art thérapie et la musicothérapie sont largement utilisés dans le domaine

  de la psychothérapie. En effet, grâce à l’art et à la musique, on peut cicatriser des blessures

  dissimulées dans notre for intérieur et obtenir ainsi cette force de vivre que nul ne peut nous

  offrir.

  A travers ces trois approches de l’art, j’ai cherché à examiner la nécessité et l’utilité de

  l’art et à déterminer si celui-ci peut nous aider réellement à mieux vivre. Certes, définir ce

  qu’est notre vie s’avère plus complexe que de cerner ce qu’est l’art. Pour cette raison, l’art

  peut évoquer l’histoire de différents domaines pour chacun de nous. Malgré cela, la raison

  pour laquelle j’ai abordé l’art dans le cadre de l’archivage, de la religion et de la thérapie est

  que j’ai voulu prendre comme critères ce que de nombreuses personnes considèrent comme le

  plus important et le plus essentiel. Même si chaque lecteur peut envisager d’autres utilisations

  de l’art, le fait que l’art demeure aussi utile et nécessaire que le fait de manger, de dormir et

  de respirer ne changera pas. 

             

        Le Street Art, « Art Urbain » en français, est un art contemporain ayant pour principe de créer son œuvre dans la rue. Aucune toile n'est nécessaire. Le principal outil est pour la plupart du temps une simple bombe à tag.

            Ces artistes de rue créaient pour dénoncer ou pour décorer. Leurs créations peuvent être simplement des phrases écrites, des caricatures, ou bien n’importe quels dessins. Ils ont la capacité de s'adapter à toutes sortes de lieux.

            Comment les rues deviennent-elles des galeries ?

            Les galeries sont des lieux d'expositions, pour avoir la possibilité de vendre et se faire voir. Le fait de ne pas avoir de lieux prédit pour exposer mais plutôt de choisir l'endroit, une zone qui peut être éphémère, casse le concept des galeries. Ils n'ont donc pas besoin d'être représenté par ces dernières. Ils créent pour se faire plaisir mais aussi pour se différences de l’art académique.

            Leurs uniques salles d’exposition sont tout lieux autre qu’une réel salle d’exposition. N’ayant pas de lieux forcement approprié fait qu'ils ne sont pas toujours en règles, et donne une autre vision de cette art. De ce fait le Street art peut être qualifié de nomade.

            On peut dire que cette art est nomade car n'importe quelles personnes voyant les œuvres peut la prendre en photo et la faire voyager par tout les réseaux sociaux. L’avantage est qu’ils ont la possibilité de ce faire connaître avec le voyage que font leur art.

            La création de leurs œuvres partout dans les rues, usines désaffectés, vieilles immeuble font de ces lieux de nouvelles galeries, ouvertes à tous. La plupart du temps ces œuvres sont anonymes et le mystère de l'artiste fait vivre le plaisir.

            Ainsi pour que ces œuvres soient exposées ou vendu il suffit des les prendre en photo. Ici aussi tout le monde peut le faire ce qui fait de cette art, un art à partager.

           Tout le monde peut devenir street artiste, il suffit d’avoir de la suite dans les idées, sortir du lot, et bien sûr avoir du talent.

Sarah Richard

Le premier portrait est L'autoportrait de 1901. Cet autoportrait appartient à la période bleue de l'artiste.   C'est un autoportrait basé sur les sentiments du peintre. Sa représentation  n'est que la première étape avant les modifications de couleurs et de détails que l'artiste va volontairement effectuer pour exprimer son état d'âme.